Que voir à l'intérieur de la Cappella Sansevero, œuvre par œuvre

Comment la salle est agencée

Vous entrez dans une nef unique qui se termine par une abside abritant le maître-autel. Chaque mur latéral comporte quatre arcs en plein cintre. La plupart d'entre eux abritent le tombeau de l'un des ancêtres du prince. Font exception le troisième arc à gauche en entrant, qui abrite la porte latérale, et le troisième arc à droite, qui s'ouvre sur le tombeau de Raimondo di Sangro lui-même.

Contre les piliers entre les arcs se dressent les statues des Vertus. Le musée explique qu'elles sont dédiées aux femmes de la famille, passées et présentes, à une exception près : le Désenchantement, qui honore le père du prince. Elles sont au cœur de son dessein, à lire comme les étapes d'un chemin vers la connaissance intérieure.

Le Christ voilé repose au milieu de la nef. Au-dessus de l'ensemble s'élève la voûte en berceau, percée de six fenêtres profondes. En bas, un escalier près du tombeau du prince mène à la Chambre souterraine, et le parcours se termine dans la sacristie. Votre billet couvre l'ensemble.

Une note pratique : la photographie n'est pas autorisée, il est donc utile de savoir à l'avance ce que vous souhaitez observer de près.

Le Christ voilé

Commencez là où tout le monde commence. La statue de Giuseppe Sanmartino, réalisée en 1753, montre le Christ mort étendu sur un matelas et deux coussins, couvert de la tête aux pieds d'un linceul taillé dans le même bloc de marbre.

Parcourez-la lentement sur toute sa longueur. Sur le visage, le voile s'enfonce dans les yeux et la bouche, et une veine gonflée est encore visible sur le front. Les blessures des clous transparaissent à travers le tissu sur les mains et les pieds. Aux pieds reposent les instruments de la Passion : la couronne d'épines, les tenailles et les clous. Le bord frangé du linceul est travaillé comme une broderie.

La statue est si convaincante que, pendant des siècles, on a cru que le prince avait transformé un véritable tissu en pierre par alchimie. Il n'en était rien. Son propre ordre de paiement au sculpteur, daté du 16 décembre 1752, mentionne une statue couverte d'un voile de marbre.

La Pudeur

Sur un pilier vers le fond de l'autel se dresse la Pudeur, la Pudicizia, du sculpteur vénitien Antonio Corradini, achevée en 1752. Elle est dédiée à la mère du prince, Cecilia Gaetani, décédée en décembre 1710, alors qu'il n'avait pas un an.

Une jeune femme se tient drapée dans un voile si fin et si proche du corps que le musée le compare à une étoffe humidifiée par la fumée de l'encens. Une guirlande de roses ceint sa taille. À ses côtés se trouvent une plaque brisée et un arbre de vie, tous deux symboles d'une vie fauchée trop tôt. Sur le socle figure un relief du Noli me tangere, le Christ ressuscité apparaissant à Marie-Madeleine dans le jardin.

Observez combien le voile se comporte différemment de celui du Christ. Celui de Corradini est calme et épouse le corps. Celui de Sanmartino est agité. C'est Corradini qui devait initialement sculpter le Christ, et comparer les deux vous montre pourquoi le résultat a surpris tout le monde.

La figure a également été lue comme une allégorie de la Sagesse, et comme une référence à Isis voilée.

Le Désenchantement

Face à la Pudeur se dresse le Désenchantement, le Disinganno, du sculpteur génois Francesco Queirolo, sculpté en 1753 et 1754. Les sources anglaises l'appellent aussi Release from Deception. Il honore le père du prince, Antonio, qui, après une vie tumultueuse et errante, revint à Naples dans sa vieillesse et devint prêtre.

Un homme se libère d'un grand filet, aidé par un génie ailé portant une petite flamme sur le front, symbole de l'intellect humain. Le génie désigne un globe aux pieds de l'homme, le monde et ses passions, sur lequel repose une Bible ouverte. Le relief sur le socle montre le Christ rendant la vue à l'aveugle.

Le filet est la raison pour laquelle on s'arrête ici. Il est entièrement taillé dans le marbre, se détachant du corps par endroits, et si délicat que, selon l'histoire que raconte le musée, les artisans qui polissaient habituellement les statues refusèrent d'y toucher de peur qu'il ne se brise, et Queirolo dut le terminer lui-même à la pierre ponce. Origlia l'a qualifié de dernière et plus éprouvante épreuve à laquelle la sculpture sur marbre puisse aspirer.

Les autres Vertus et les tombeaux familiaux

La Pudeur et le Désenchantement sont les deux célèbres, mais elles font partie d'une série. Des statues de Vertus se dressent contre les piliers tout au long de la nef, chacune associée au membre de la famille qu'elle honore, et la plupart suivent les allégories de l'Iconologia de Cesare Ripa, un manuel illustré que le prince fit ensuite réimprimer à ses frais.

Cherchez le Décorum de Corradini, la Libéralité, la Sincérité et l'Éducation de Queirolo, le Zèle religieux de Fortunato Onelli, la Douceur du joug conjugal de Paolo Persico, et la Maîtrise de soi de Francesco Celebrano. Une statue de l'Amour divin a été ajoutée par un sculpteur inconnu au XIXe siècle.

Dans les arcs qui les séparent se trouvent les tombeaux des ancêtres du prince, plusieurs provenant de la chapelle du XVIIe siècle qu'Alessandro di Sangro fit construire. Dans une niche à gauche de l'autel se trouve Alessandro lui-même, le Patriarche d'Alexandrie, représenté en prière.

Avant de quitter la nef, retournez-vous et levez les yeux au-dessus de la porte principale. Le monument à Cecco di Sangro, de Celebrano, montre un guerrier armé surgissant d'un sarcophage. Il rappelle un épisode d'une campagne en Flandre, lorsque Cecco se cacha pendant deux jours avant de surprendre l'ennemi et de prendre le fort d'Amiens. C'est l'une des pièces les plus théâtrales de la salle, et nombreux sont les visiteurs qui sortent sous elle sans jamais lever les yeux.

Le maître-autel

Au fond de la nef se trouve le maître-autel, avec un grand relief en marbre de la Lamentation de Francesco Celebrano. Le musée le considère comme son œuvre la plus accomplie et note qu'il s'agit du seul haut-relief sur un maître-autel dans toute église napolitaine. Les corps se pressent dans le cadre : le Christ mort, la Vierge en deuil, la Madeleine.

Observez le cadre autour du relief. Son bleu n'est pas du lapis-lazuli mais une substance fabriquée dans le laboratoire du prince pour l'imiter. Sous la table de l'autel, un petit putto soulève le couvercle d'un tombeau vide. De part et d'autre des marches se dressent deux anges de Paolo Persico.

Au-dessus de l'autel, dans une explosion d'anges en stuc, est suspendue une peinture de la Pietà d'un artiste napolitain inconnu de la fin du XVIe siècle. C'est l'image liée à la légende fondatrice de la chapelle : vers 1590, un homme conduit en prison enchaîné la vit apparaître lorsqu'une partie du mur du jardin s'effondra, et la première petite chapelle fut construite en remerciement.

La voûte

Levez maintenant les yeux. La voûte en berceau tout entière est une seule fresque, la Gloire du Paradis, également appelée le Paradis di Sangro, peinte par Francesco Maria Russo en 1749. L'architecture peinte s'ouvre sur les nuages, et au centre la colombe du Saint-Esprit jaillit d'un halo triangulaire, avec des médaillons des saints de la famille entre les fenêtres. Au-dessus du sanctuaire, une petite fausse coupole est peinte sur le plafond plat.

Ce sont les couleurs que l'on remarque. Les bleus, les verts et les ors sont encore intenses plus de 250 ans plus tard, et le musée attribue cette vivacité à une formule inventée par le prince lui-même. Ironie du sort, il n'était pas satisfait de la fresque. Dans son testament, il demanda à son fils de la faire repeindre par le meilleur peintre qu'il pourrait trouver. Son fils ne le fit jamais.

Le triangle au centre porte plusieurs significations à la fois : la Trinité pour les chrétiens, la naissance cosmique dans la tradition pythagoricienne, et le Vénérable Maître dans le symbolisme maçonnique.

Le sol et le tombeau du prince

Le sol que vous foulez n'est pas celui que le prince avait conçu. Son sol, posé par Francesco Celebrano à partir du milieu des années 1760, était un labyrinthe de marbre polychrome où une seule ligne continue de marbre blanc serpentait à travers toute la nef. Il fut gravement endommagé lorsqu'une partie du bâtiment s'effondra en 1889, et les restaurateurs le remplacèrent par des carreaux de terre cuite napolitains émaillés de jaune et de bleu, les couleurs des armes des di Sangro.

Certaines dalles d'origine subsistent dans le passage devant le tombeau du prince. Cherchez les croix à crochets formées par la ligne blanche continue et les carrés concentriques dessinés en perspective dans des nuances allant du bleu au blanc.

Le tombeau lui-même est le monument sobre de la troisième arche à droite. Sa longue inscription n'est pas gravée mais en relief, des lettres blanches se détachant de la dalle sans la moindre trace de ciseau, réalisées grâce à un procédé chimique mis au point par le prince. Tout autour figurent des armes, des armures, des livres, des équerres, un globe et l'écharpe de l'ordre de San Gennaro.

Descente vers la Chambre souterraine

Depuis le passage près du tombeau, un escalier descend vers la Chambre souterraine. C'est un étroit escalier en spirale du XIXe siècle, et la chambre est la seule partie du musée inaccessible aux personnes en fauteuil roulant.

Le prince avait conçu cette salle comme un temple funéraire ovale pour ses descendants, et destinait le Christ voilé à reposer en son centre entre deux lampes éternelles. Elle ne fut jamais achevée. Aujourd'hui, elle abrite les deux Machines anatomiques, les squelettes debout d'un homme et d'une femme enveloppés d'un réseau reconstitué de veines, réalisées par le médecin palermitain Giuseppe Salerno dans les années 1750, ainsi qu'un grand fragment du sol d'origine du labyrinthe.

Le parcours se termine dans la sacristie, qui sert aussi de librairie au musée. Avant de partir, revenez dans la nef et regardez une dernière fois le Christ depuis l'extrémité de l'autel. C'est une statue différente sous cet angle.